CULTURES > PEINTURE

Au XIXème siècle, lors d'une violente tempête en mer au large des côtes anglaises, un peintre démande à se faire attacher en haut du mât du navire pour y observer le phénomène météorologique puis le peindre. Le célèbre peintre anglais William Turner aurait inventé cette histoire pour expliquer l'origine de l'une de ses oeuvres lors de son exposition à la Royal Academy de Londres. Cette oeuvre s'appelle Tempête de neige. L'histoire de Turner ne sera jamais vérifiée et le peintre aura été été l'objet de virulentes critiques sur sa technique car il peint, dit-on dans les salons de la Royal Academy, avec de la crème ou du chocolat, du jaune d'oeuf ou de la gelée de groseille. Critiques qui finiront par le véxer, surtout quand certains évoquent la jaunisse. Cette anectode résume bien ce qui caractérise une peinture - une histoire, une technique, une critique subjective. Ce qui est ironique car les anglais resteront au second rang des courants artistiques européens. Comme si, en matière de goût, les anglais et le beau faisaient deux. Mais derrière l'oeuvre, se trouve souvent cachée une problématique de [Financement] pour le peintre que l'on retrouve à toutes les époques. Et l'origine du financement explique une grande partie le contexte des commandes passées par les religieux, les rois, les riches mécènes.

Les techniques disponibles 

Les premières peintures murales dans les grottes font partie d'art pariétal - l'art rupestre désignant les oeuvres en plein air - remontent à la préhistoire, que ce soit en Europe, au Moyen-Orient ou en Asie. Certains pensent qu'il existe plus de 40 millions de peintures rupestres dans le monde réparties sur 170 000 sites et 160 pays [1]. Les plus anciennes remontent à 40 000 ans et représentent des animaux. Entre cette période primitive et celle de l'essor de la peinture en Europe dans les années 1200 dite Renaissance, il ne se serait pas passé grand chose d'intéressant. 

Les principales oeuvres connues se trouvent en Inde ou au Moyen-Orient, il s'agit principalement des fresques murales. Au Tibet, les thangkas réalisés sur un support de toile de coton provenant d'Inde apparaissent au IX ème siècle. Les techniques se limitaient alors à utiliser en support la pierre ou le bois. 

Ce n'est qu'à partir du XVème siècle que des peintres flamands, nottament les frères Van Eyck, répandent la technique de la peinture à l'huile qui existait déjà depuis longtemps [2]. Tant que les techniques disponibles n'étaient pas sophistiquées, les représentations visuelles ne délivraient pas de messages intéressants, et surtout, les religions dispososant du monople de l'instruction bridaient toute forme de créativité.

Se procurer des toiles de bonne qualité n'était pas toujours facile pour les artistes. Les plus pauvres utilisaient souvent les deux faces de même la toile pour leurs oeuvres. Le film Gauguin, Voyage de Tahiti, montre la pénurie à laquelle l'artiste était parfois confronté [3]. Même chose pour le choix des pigments. Le cri de Munch a perdu de sa suberbe à cause de pigments jaunes de mauvaise qualité. Pour peindre, il faut du temps et de l'argent. Ce n'est donc pas un hasard si les [Religions] étaient le principal moteur de la croissance de la [Peinture].

Et surtout organisé par les religions

En Asie, au Moyen-Orient et en Europe, ce sont bien les religions qui ont développé et façonné l'ensemble des premiers courants artistiques  : miniatures en Inde, calligraphie en Chine et au Japon, Thangas bouddhistes au Tibet, etc. Pour y parvenir, elles ont dû s'adapter car à l'origine les trois religions du Livre - La Bible -  prohibaient toute représentation figurative. L'exemple le plus connu et encore polémique au XXIème siècle étant l'interdiction de représentation du prophète Mahomet chez les Musulmans.

La peinture en Occident se construit ensuite souvent en rapport avec d'autres arts, surtout la [Littérature]. Pourquoi est-ce si unique ? Il n'existe rien d'équivalent au Moyen-Orient car l'Islam ne favorise pas les représentations, ni même en Asie (en Chine, en Inde ou au Japon) dont les [Intellectuels] restent étanche à l'art de la [Peinture], probablement accaparés par la caligraphie propre à leur [Langue].

En Inde, l'art d'inspiration religieuse laisse peu de place à la créativité. On trouve les peintures puraniques du Kerala murales puis sur rouleau et sur tissus collées avec l'école Tanjore du Tamil Nadu. Quant aux peintures de la fin du XIXème siècle sous l'influence de la famille Tagore et de quelques écoles comme celle du Bengale [4], certaines furent parfois d'inspiration européenne [5] mais ensuite critiquées [6].

Seul le christianisme parmi les trois monothéismes a changé de position vis à vis de la représentation figurative suite à l'Edit de Milan de 313 - avec la liberté de culte, l'art chrétien sort alors de sa clandestinité - et du Concile de Nicée de 787 autorisant l'association d'images religieuses à des idoles au motif de l'instruction religieuse. L'Eglise a ensuite poursuivi activement une sorte de stratégie marketing à vocation éducative en étant commanditaire de nombreux artistes à partir du XVème siècle [7]. L'accès directe des oeuvres auprès d'un public, réparti sur tout le territoire et dans les campagnes a de quoi rendre dubititatif sur l'efficacité d'une telle démarche. Les Eglises devaient se partager entre elles quelques oeuvres pour les montrer à leurs paroissiens et beaucoup d'oeuvres étaient reproduites à l'intérieur des Eglises.

Les catégories de peintures ou la hiérarchie des genres

Les peintures n'étaient donc pas vraiment le fruit de l'imagination d'artistes mais celui de commandes précises en fonction de codes. Héritée de l’Antiquité et codifiée en 1668 par André Félibien, secrétaire de l’Académie des Beaux Arts, la hiérarchie des genres priorisait l’invention aux dépens de l’imitation pour les scènes religieuses, l'imitation étant déléguées aux portraitistes, peintres de paysages ou de natures mortes.

-Au sommet se trouvait la peinture d’histoire, appelée «le grand genre» : tableaux souvent de grande taille, à sujets mythologiques, religieux ou historiques .
-Le portrait, représentant des personnages importants du passé comme du présent.
-Les scènes de genre : représentations, généralement de petite taille, de scènes de la vie quotidienne attachées aux personnes ordinaires.
-Le paysage.
-La nature morte.
Au XIXème siècle, les peintres se sont progressivement libérés de cette hiérarchie et ont convergé dans des courants cohérents étudiés aujourd'hui en histoire de l'Art et maîtrisés finalement par peu de monde dans la [Population], le sujet étant plutôt prisé chez les [Talents].

Les courants influencés d'abord par la religion

Les courants artisitiques ont bien existé, mais de leur vivant leurs participants n'avaient pas le recul nécessaire pour en faire l'analyse. Ce sont leurs successeurs et des historiens qui s'y sont consacrés y compris dans l'appelation de ces mouvements.

Exemple d'artistes : Giotto di Bondone, dont une grande partie de ses étudiants a été décimé par la peste. Simone Martini, élève de di Bondone selon Giorgio Vasari, est un peintre italien né à Sienne, il a grandement influencé le développement du style gothique international.

Italie : Antonello de Messine, Giovanni Bellini, Sandro Botticelli, Léonard de Vinci, Fra Angelico, Domenico Ghirlandaio, Filippo, et Philippino Lippi 
Europe du Nord :
Jérôme Bosch, Dieric Bouts, Robert Campin, Petrus Christus, Gérard David, Albrecht Dürer, Jean Fouquet, Hans Holbein le jeune, Hans Memling, Hugo van der Goes, Rogier van der Weyden, Jan van Eyck

Exemples d'artistes : « trois génies » dont les conceptions s’opposent : Raphaël, Léonard de Vinci, et Michel-Ange. Ils ont laissé une impression si forte sur leurs contemporains que les artistes de la génération suivante ont cherché  une nouvelle expression picturale pour s'affirmer. C'est dans ce contexte que le style classique s'effacera pour laisser place au maniérisme.
Florence, Rome : Andrea del Sarto, Le Pérugin, Léonard de Vinci, Michelangelo Buonarroti dit Michel-Ange, Raphaël, Le Corrège
Venise : Giovanni Bellini, Lorenzo Lotto, Giorgione Le Titien, Le Tintoret, Véronèse

Europe du Nord : Antoon van Dyck, Jacob Jordaens, Gerrit van Honthorst, Rubens
Espagne : Francisco de Zurbaran, Diego Velasquez, Bartolomeo Murillo, Jusepe de Ribera

Les peintres baroques abordent généralement des thèmes artistiques tirés des légendes et contes bibliques ou mythologiques. Cependant, bien que la peinture religieuse, la peinture d'histoire, les allégories et les portraits soient considérés comme les sujets les plus nobles, le paysage et les scènes de genre sont également très répandus.

Le classicisme, l'influence des Lumières et du rationel

Mouvement culturel, esthétique et artistique qui se développe en France, et plus largement en Europe. Il se définit par un ensemble de valeurs et de critères qui dessinent un idéal s'incarnant dans l’« honnête homme » et qui développent une esthétique fondée sur une recherche de la perfection, son maître mot est la raison. La peinture classique est fondée principalement sur l’œuvre de Raphaël, qui en demeurera la référence. Elle tend vers un idéal de perfection et de beauté, à travers des sujets nobles, de préférence inspirés de l'antiquité ou de la mythologie gréco-latine tels que les figures héroïques, les victoires ou la pureté des femmes.

Les peintres classiques cherchent à symboliser le triomphe de la raison sur le désordre des passions : la composition et le dessin doivent primer sur la couleur, le concept sur la séduction des sens.  C’est pour cela que des règles précises et strictes doivent exprimer la représentation de la nature. La composition est donc presque toujours symétrique ou – au moins – équilibrée, et les personnages toujours ramenés à des proportions plus réduites et représentés en pied, le hors-cadre étant quasiment banni. Le décor, et tout particulièrement la nature, doivent refléter le sujet principal, lui faire écho en reprenant les mêmes thèmes. Mais la raison n'empêche pas les mystères, la peinture croise parfois l'intérêt de groupes ésotériques à partir du XVIème siècle, comme la Rose-Croix. Ces groupes, formés dans un contexte de grandes tensions [Religieuses] en Europe, se développent et parviennent les uns après les autres à la lumière de la fin du XVIIème au début du XVIIIème. Alexandre Adler explique bien dans l'un de ses livres l'une des affaires les plus intéressantes tournant autour d'une oeuvre de Nicolas Poussin au XVIIème siècle, Les Bergers d'Arcadie qui a fait couler beaucoup d'encre en France.

- synonyme de peinture académique, qui repose avant tout sur le réalisme et la figuration, et représente les choses de manière prétendument objective, traditionnelle, voire un peu mièvre. 

- un courant artistique qui s'oppose au mouvement baroque. Après les excès du maniérisme, un certain nombre de peintres décident d'une sorte de retour à l'ordre et souhaitent retrouver l'équilibre et la perfection atteinte notamment par les artistes de l'antiquité et retrouvée par les peintres de la fin de la Renaissance.

Exemples d'artistes :  un grand nombre de peintres français, le mouvement ayant une influence considérable dans le pays grâce à la prédominance du classicisme en architecture sous le règne de Louis XIV, Philippe de Champaigne, Nicolas Poussin et Charles Le Brun.

Après le déclin du mouvement baroque dans la seconde moitié du XVIIIème siècle naît le rococo, principalement en France sous le règne de Louis XV et dès la régence de Philippe d'Orléans. De délicats mélanges de roses, verts et jaunes furent mis en exergue dans des compositions frivoles et d’une surprenante légèreté, rejetant la symétrie et estompant les lignes droites. La grande peinture décorative disparaît au profit de la peinture de chevalet, où la couleur reprend ses droits. Le terme rococo lui même est dérivé du mot rocaille provenant des ornementations imitant les rochers et les pierres naturelles. 

En plus d’une tendance artistique, le rococo fut aussi un véritable style de vie, fondé sur le plaisir raffiné des sens. 

L’influence du théâtre est extraordinairement présente dans la peinture rococo. Composition et mise en place des personnages, postures et déguisements : l’ensemble témoigne d’une volonté de montrer le monde non pas tel qu’il est, mais tel que l’on se persuade qu’il est. Le thème de l’Arcadie (lieu imaginaire idéal tiré de la mythologie latine où règnent sagesse, bonheur et justice) retrouve une place privilégiée ainsi que l’exotisme des pays lointains.... Les genres sont mélangés : la mythologie côtoie la religion, le tout intégré à l’époque contemporaine. Les peintres s’intéressent aussi bien à représenter l’aristocratie que le peuple avec un engouement particulier pour les représentations bourgeoises. 

Les fêtes galantes versaillaises sont les sujets principaux des peintres français. Watteau les peint tout en mélancolie. Boucher, influencé par la clarté du style italien, donne une ambiance érotique à ses peintures. Fragonard installe les sentiments amoureux aussi bien dans ses portraits que dans des scènes mythologiques ou des paysages.

Exemples d'artistes : François Boucher, Carle Van Loo, Charles Coypel,  Jean-François de TroyJean Antoine Watteau, Jean Honoré Fragonard et Jean- Baptiste Tiepolo. Le style rococo disparut totalement avec la Révolution française en 1789, laissant alors la place au style néoclassique.

L'apparition du néo-classicisme un demi siècle après la fin du classicisme est marqué par un recul de l'influence française en Europe à partir de la guerre de Sept Ans entre 1756 et 1763 lors de laquelle les puissances Anglo-Prusses s'imposent face à la France. Au niDiplomatique], cette guerre peut-être considérée comme le premier conflit mondial car elle impliquait par un système d'alliance l'Amérique du Nord et l'Inde. 

Ce courant s’inspire directement de codes de l’art antique, et plus particulièrement romain : A partir de la découverte des ruines de Pompéi à côté Naples en Italie et d’Herculanum.Le mouvement, né à Rome se diffuse en Europe et aux États-Unis par l'intermédiaire des écrits de théoriciens dont le principal représentant est l'archéologue et historien d'art Johann Joachim Winckelmann. La rigueur et la simplicité des formes qui le caractérise est une réaction de rejet d'un style français fait de grandiloquence et de frivolité qui marque l'art Rococo, que les Anglais et les Allemands jugent pernicieux et superficiel. Un idéal plastique était recherché, et une certaine leçon morale était induite par le sujet historique des oeuvres. 

Le contre pieds du rationel, l'apparition de nouveaux courants plus créatifs

Exemples d'artistes : Les deux figures marquantes, pour la peinture en France, sont Eugène Delacroix et Théodore Géricault. Ce dernier était passionné de cheval, et en a fait le thème majeur de son oeuvre. Malheureusement il fut également la cause de sa mort lors d’une chute à seulement 33 ans.

Exemples d'artistes : Jean-Baptiste Camille Corot, Charles-François Daubigny, Gustave Courbet

L’impressionnisme n’a jamais été organisé en mouvement ou école, et aucune publication ou autre manifeste n’a vu le jour. Les peintres avaient simplement un but commun d'exprimer un nouveau regard sur la réalité, et de le rendre visible et perceptible d’une manière personnelle et détachée de la représentation classique. 
En 1874, alors que l’impressionnisme a déjà une dizaine d ‘années, a lieu la première exposition collective et publique, dans l’atelier du photographe Nadar. Il n’y aurait désormais plus aucun jury ni récompense ! De 1874 à 1886, huit expositions sont organisées. Les figures principales ayant participé sont, outre Monet et Renoir, Pissarro, Sisley, Berthe Morisot et Degas. Lors de la dernière exposition en 1886, Monet et Renoir, refusèrent d’y participer, manifestant ainsi leur mécontentement à l’égard d’un nouveau venu, Seurat, qui désire poser des bases scientifiques au sein du groupe. Gauguin, qui figure dans cette dernière exposition, fût également la cause de quelques disputes…

Exemples d'artistes : Claude Monet, Auguste Renoir, Paul Gauguin

>Symbolisme

Le symbolisme est un mouvement littéraire et artistique apparu en France, en Belgique et en Russie en réaction au naturalisme et au mouvement parnassien.

C'est le critique et romancier Émile Zola, en 1876, qui a été le premier à employer ce terme, en accusant le peintre Gustave Moreau de « symbolisme » dans le cadre de la critique de ses tableaux présentés à Paris au salon annuel de peinture. Cette critique est généralement considérée comme l'acte de naissance du symbolisme.

Cependant, il n'est officiellement déclaré comme véritable mouvement qu'en 1886, dans Un Manifeste littéraire publié dans le Figaro, par le poète Jean Moréas qui définit cette nouvelle manière d'écrire : « Ennemie de l'enseignement, la déclamation, la fausse sensibilité, la description objective, la poésie symbolique cherche à vêtir l’Idée d'une forme sensible. » Un mouvement très éclectique va apparaître dans toute l’Europe, et toucher toutes les formes d’expression artistiques : Le Symbolisme qui utilise ici l'étymologie du mot « symbole » (« jeter ensemble ») pour désigner l'analogie que cette poésie souhaite établir entre l'Idée abstraite et l'image chargée de l'exprimer . Toutes les démarches se retrouveront dans un but commun : Celui d’abandonner la description et la simple représentation, au profit de l’introspection et de la suggestion. 

Exemples d'artistes : 

Louis Janmot dés 1835, puis Gustave Moreau et Puvis de Chavannes sont des précurseurs du symbolisme français en peinture, qui mêle au mystique les thèmes de l'étrange et du rêve. Gustav Klimbt, Edvard Munch connu pour le Le Cri.

>L’école de Pont-Aven

Groupe de peintres réunis dans la région bretonne de Pont-Aven, en 1888, autour de Paul Gauguin et d’Emile Bernard, afin d’y pratiquer « le synthétisme », une nouvelle technique picturale inspirée des estampes japonaises, et mise au point par Gauguin. Celle-ci consiste à libérer l’espace du tableau de la perspective, à simplifier les formes au maximum jusqu’à obtenir des surfaces, à délimiter celles-ci par des cernes noirs et à y insérer des couleurs en aplats choisies arbitrairement.

>Les Nabis (prophètes en hébreu )

Mouvement artistique postimpressionniste d'avant-garde, né en marge de la peinture académique de la fin du XIXème siècle et du début du XXème siècle dont le début se situe probablement autour de 1888.

Influencé par le synthétisme et les innovations de Gauguin, Sérusier peint à Pont-Aven « Le talisman » en 1888. Ce petit tableau sur une boite de cigares dépasse les limites de la représentation pour l’époque. Autour de lui, un groupe de jeunes peintres se constitue. Maurice Denis en sera le chef de file et le théoricien. Très imprégnés de valeurs mystiques, et trouvant les oeuvres impressionnistes trop superficielles, ils désirent retrouver les sources d’un Art pur, en affirmant un caractère initiatique et sacré dans leur esthétique. Les oeuvres sont fort diverses mais se réunissent dans des influences et codes esthétiques communs : Japonisme, cloisonnisme, couleurs pures, aplats, arabesques…

Exemples d'artistes :  Juan Gris, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Sonia Delaunay-Terk, Henri Le Fauconnier, Eugène-Nestor de Kermadec et Fernand Léger

Exemples d'artistes  : Henri Matisse, Courbet, Jean François Millet, Honoré Daumier, Edouard Manet

Exemples : Les artistes expressionnistes resteront souvent isolés. Le Cri, du peintre Edvard Munch, ou Les Grands chevaux bleus de Franz Marc. 

- Le Surréalisme (1930 – 1945)
Mouvement comprenant l’ensemble des procédés de création et d’expression (peinture, dessin, musique, cinéma, littérature...) utilisant toutes les forces psychiques (automatisme, rêve, inconscient) libérées du contrôle de la raison et en lutte contre les valeurs reçues. Il est caractérisé par sa transdisciplinarité (peinture, objet, collage, cinéma, costume...) et l'importante collaboration entre ses membres.

En 1924, André Breton le définit dans le premier Manifeste du surréalisme comme un « automatisme psychique pur, par lequel on se propose d'exprimer, soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée.

Le surréalisme repose sur la croyance à la réalité supérieure de certaines formes d'associations négligées jusqu'à lui, à la toute-puissance du rêve, au jeu désintéressé de la pensée. Il tend à ruiner définitivement tous les autres mécanismes psychiques et à se substituer à eux dans la résolution des principaux problèmes de la vie1 (xxe siècle). En réactualisant la dimension poétique de la peinture, le surréalisme se heurte à la question de la représentation du non-figurable et de l'indicible.

Suréalisme à partir de 1924 avec Henri Breton (forces psychiques), Magritte, Dali, Prévert, Max Pol Fouchet.

Exemples d'artistes : Joan Miro, Savador Dali, Giorgio de Chirico, René Magritte, Pablo Picasso

Des courants culturels transverses

Certains courants ont eu plus de liens que d'autres avec les grandes catégories des arts. Leur influence s'est étendue sur plusieurs pays ou même continents.

- Les Préraphaélites (1850-1900)

Mouvement artistique né au Royaume-Uni qui tient la peinture des maîtres italiens du XVème siècle, prédécesseurs de Raphaël, comme le modèle à imiter.

Au milieu du XIXe siècle, au début du règne de la reine Victoria, la peinture anglaise s'est enlisée dans les conventions académiques et se trouve dans une impasse créative. En réaction, trois jeunes étudiants de la Royal Academy, Hunt, Millais et Rossetti, fondent la confrérie préraphaélite.
Ils ambitionnent de créer une nouvelle forme de peinture, se référant non-plus à la Renaissance, mais à l'art médiéval, celui d'avant Raphaël, libre et authentique, suivant en cela les préceptes de l'influent théoricien victorien, John Ruskin. Leurs tableaux sont colorés, porteurs de multiples symboles et références littéraires, sensibles à la nature et aux questions sociales.

La confrérie se dissout rapidement, mais ses idées continuent à nourrir l'avant-garde anglaise pendant près de cinquante ans. La seconde génération, dominée par Edward Burne-Jones et William Morris, applique les principes préraphaélites au décor, au mobilier et à l'illustration de livre. Au-delà de l'Angleterre, l'univers de Burne-Jones en particulier influencera profondément le courant symboliste.

- L'Orientalisme (1870 - 1900)

S’il n’est pas un courant à proprement dit comme l’Impressionnisme, le Fauvisme ou le Cubisme, l’Orientalisme demeure un sujet pictural essentiel par sa contribution au rayonnement de l’Orient. 

L’Orientalisme n’est pas un courant artistique et ne se réfère à aucune une école de peinture en particulier. On le considère comme une influence, une inspiration, une thématique récurrente apparue au XIXème siècle, qui dépeint le monde arabe et son atmosphère orientale. Il n’y a pas non plus d’artistes exclusivement orientalistes, mais beaucoup ont ponctué leurs travaux aux couleurs du Moyen-Orient et ce, quel que soit leur style initial.

 Cette peinture révèle tout l’exotisme de la vie intime, des scènes intérieures aux paysages de guerre en passant par des scènes d’extérieur et notamment les ruelles propres au Maghreb. Dès 1870, le style attire des artistes anglais, allemands, italiens, américains ; un réel engouement se dessine ! En 1893, la Société des peintres orientalistes français voit le jour et l’année suivante est lancé le Salon annuel.

Exemples d'artistes : 

C’est Eugène Delacroix qui mène avec passion l’Orientalisme. On lui doit de majestueuses toiles nées de ses voyages au Maghreb. Le peintre révèle toute la beauté de l’Afrique du nord à travers des scènes qu’il ponctue de couleurs chaudes et si révélatrices d’une région aride et désertique. D’autres peintres ont également exploré les thématiques orientalistes tels que Dominique Ingres, Théodore Chassériau, Jean-Léon Gérôme, Rudolf Ernst ou encore Frederik Arthur Brigdman.

 Impossible de dissocier le voyage de l’Orientalisme, il est une partie intégrante de cette inspiration et de son rayonnement à travers le monde. Le Caire, Alger, Alexandrie ou Constantinople : des villes où il faisait bon créer ! Un voyage éprouvant pour bon nombre d’artistes qui se jetaient parfois à corps perdu dans une expédition aventureuse. Certains bénéficiaient d’une mission scientifique, diplomatique ou commerciale pour s’y rendre, compte tenu de la présence coloniale de la France et de l’Angleterre en Orient.

On considère que beaucoup de peintres ont évolué dans leur manière de considérer la peinture et de définir leur palette après leur voyage au Maghreb. Les tons utilisés sont chauds, le cercle chromatique se réduisant autour de couleurs très caractéristiques telles que le rouge, le jaune, le brun et toutes leurs variantes. L’idée est de retranscrire au mieux le climat, la chaleur et la lumière de ces terres si riches et colorées.

La peinture du début du XXe siècle voit les thèmes orientalistes disparaître progressivement. En cause, l’indépendance de l’Algérie en 1962 d’une part et la fermeture de la Villa Abd-el-Tif d’autre part. L'orientalisme naît aussi dans la fascination de l'Empire Ottoman et suit sa lente désagrégation après la guerre d'indépendance grecque des années 1820 et la progression des colonisations européennes. Cette tendance exotique s'associe avec tous les courants artistiques du XIXème siècle, académique, romantique, réaliste ou même impressionniste. Elle est présente en [Architecture], en Musique], en [Peinture Littérature], en poésie… L'orientalisme a créé de nombreux clichés et poncifs que l'on retrouve aujourd'hui encore en [Littérature] ou dans les [Spectacles] comme le Cinéma.

- La Café Society 1920-1930)

La Café Society est un groupe de personnalités mondaines souvent brillante et légère qui marqua les années 20 et 30. De bals en croisières, de fêtes extravagantes, données dans des hôtels particuliers parisiens ou dans des palais vénitiens, le petit monde de la Café Society a mêlé aristocrates, milliardaires, artistes, grands couturiers, chorégraphes et musiciens.

Selon le haut-fonctionnaire et homme politique Thierry Coudert qui en a fait un beau livre  « C’est un monde intéressant parce qu’il est une transition dans l’histoire du goût, entre le grand goût aristocratique et un goût de nouveaux riches » L'auteur développe une analyse intéressant dans la revue Dandy magazine : " Surtout s’agissant d’un temps définitivement passé. Mais il n’y a pas de nostalgie à avoir : c’est un monde englouti, qui ne reviendra jamais, les gens qui ont aujourd’hui beaucoup d’argent vivent totalement autrement et plus personne ne conçoit ce mode de vie. Les femmes d’aujourd’hui ont souvent une activité professionnelle, toutes les grandes héritières président des filiales des sociétés familiales, elles vont encore aux défilés de mode mais ne passent plus leur vie à faire des essayages, cela n’existe plus. C’était tout un monde, de rentiers pour l’essentiel, qui a disparu et ne reviendra jamais puisque la plupart de ces gens n’avaient pas d’activité professionnelle.
Dans le prolongement des grands dandys XIXè…
Leur seul souci était leur personnage : c’était leur œuvre.
« Faire de sa vie une œuvre d’art » était selon Wilde ce qui déterminait les dandys.
C’est cela. Et pour cela il ne faut pas travailler, ne serait-ce que 35 heures par semaine !

La photographie a ajouté une nouvelle dimension marginalisant la l'importance de la peinture

L'année 1839 fait figure de date charnière avec l'invention de Daguerre. Au départ, les outils étant très techniques, ils étaient manipulés par des peintres photographes qui s'en servait pour mieux peindre le réel. L'invention a donc été plutôt bien accueillie. Elle a été inventée par des peintres, pour des peintres, qui en conçurent l'idée dès le XVème siècle pour apporter des solutions toujours plus satisfaisantes aux problèmes posés par la peinture comme représentation du monde réel sur une surface plane, notamment le problème de la perspective. En effet, Niepce (1765-1833), Talbot (1800-1877) et Daguerre (1787-1851) n'ont fait que développer chimiquement et fixer l'image projetée par la camera oscura, dont Léonard de Vinci, reprenant un thème platonicien, explique le mécanisme [11 ]

Les peintres et les critiques d'art ne se sont guère prononcés lors de la publication des découvertes de Louis Daguerre, hormis Paul Delaroche. Celui-ci écrivit à Arago une lettre enthousiaste, que ce dernier lut publiquement, pour déclarer que cette invention satisfaisait à tous les besoins de l'art. 

Mais s'il semble bien que les peintres aient été, comme les critiques, d'abord favorables à la photographie, en laquelle ils ont vu tout de suite la " servante idéale de la peinture " (Baudelaire), certains ont changé d'avis. Progressivement, la popularisation de la photographie a suscité de vives réactions au sein de la communauté des artistes peintres. Le plus en avant sur ce combat était le poète Charles Baudelaire. Pour certains, la photographie fait figure de modèle néfaste pour un public qui s’habitue à confondre la représentation pure et simple de la réalité avec l’art. Cette hypothèse se trouve notamment développée dans la Revue des deux-mondes, qui mène un combat sans relâche contre les tendances réalistes en peinture et en littérature.

Les relations peintres et photographes se détériorèrent lorsque ces derniers prétendirent au statut d'artiste et obtinrent de l'empereur d'exposer au palais de l'Industrie en 1859 dans des salles proches de celles qui étaient réservées au Salon annuel de peinture. Une pétition en 1862 est bien révélatrice de cet état d'esprit. Elle fut signée par Ingres, Flandrin, Fleury-Richard, Nanteuil, Troyon, Bida, Isabey et Puvis de Chavannes (mais Léon Cogniet et Delacroix refusèrent de signer) pour empêcher toute assimilation de la photographie à une œuvre d'art.

A l'époque, il devait y avoir quelques milliers de peintres pour une population deux fois inférieure à celle d'aujourd'hui alors que l'on recence quelques dizaines de milliers d'artistes peintre en France dans les années 2010 [Source Maison des Artistes]. La peinture n'a pas disparu et il est toujours aussi compliqué d'en vivre. 

L'idée de « mort » de la peinture réapparaît vraiment à fin des années 70 et tout au long des années 80-90 la critique de l'art s'est interrogée sur cette idée. L'infuence des avant-gardes motivent ces interrogations. Des mouvements, comme Fluxus dans les années 60, ont par exemple voulu donner priorité à la vie, à l'action. 

Depuis 2000 on ne parle plus de « mort » de la peinture, mais de « renaissance ». Le processus de désacralisation a été assumé. De nombreux textes ont été écrits sur la question et des expositions ont été dédiées à ce sujet. Depuis les années 2000, la peinture est devenue un médium comme les autres qui côtoie la sculpture, la photographie... et l'installation, une solution esthétique généralisée qui mélange les médiums.
Mais aujourd'hui, la peinture se pratique sans soumission au passé, sans le poids de la tradition, avec une plus grande liberté.

Le rôle des expositions universelles et des salons

Peu après la Révolution, s'organisent de manière fréquente et formelle des Salons sous l'égide de l'Académie des Beaux Arts. De 1791 à 1948, l'Académie sélectionne des artistes qui exposent ensuite au Salon Carré du Louvre, d'où le nom salon. Les premiers Salons remontent en fait à l'Academie Royale des Beaux Arts dissoute à la demande du peintre David en 1793, l'Académie des Beaux Art ayant été fondé 3 ans après en 1796. Sous Colbert, les premiers  événément sont organisés à partir de 1667, reservés aux seuls membres de l'Académie, et les premiers critiques d'arts se font connaître à partir de 1750. Les critères, très strictes, portent principalement sur le trait plutôt que sur les couleurs, le respect de la hiérarchie des genres. Les oeuvres contemporaines cotoyent alors les toiles des grands peintres. Lors de ces salons, certaines oeuvres étaient achetées pour être exposé au Musée du Luxembourg afin de les montrer à la [Population]. C'était un moyen pédagogique de faire passer des idées. Pièces maîtresses du système des Beaux Arts, les Salons se sont épuisés dans le conservatisme et la trop forte production à partir de 1927. Pour en vivre, les artistes commencent à trop produire, on parle alors d'industrialisaiton de l'art (1 600 oeuvres par salon). Un arrêt du 17 avril 1848 met fin à ce système en séparant dorénavant les attributions de la direction des Musées et des Beaux-Arts.

A partir de la seconde moitié du XIXème siècle, apparaissent aussi de gigantesques expositions, les Expositions universelles qui attirent des millions de visiteurs et réunissent "tous les pays d'Orient et d'Occident". Chaque pays y présente ses inventions techniques, mais aussi ses réalisations artistiques, culturelles et sociales. Consacrées à leurs débuts à l'industrie et aux techniques, les Expositions universelles s'ouvriront peu à peu aux Beaux-Arts.

De 1851 à 1867, ces expositions sont organisées alternativement par l'Angleterre et la France qui imposent ainsi leur hégémonie, une forme de [Diplomatie] au reste du monde. La première Exposition Universelle de 1851 se tient au Crystal Palace de Londres. Paris accueille la suivante en 1855 au Palais de l'Industrie et au Palais des Beaux-Arts. Cinquante-trois états y participent avec certaines de leurs colonies. Puis viennent les Expositions universelles de 1867, 1878 (construction du palais du Trocadéro, détruit en 1937), 1889 (érection de la Tour Eiffel), 1900 (création du Petit et du Grand Palais, des gares de Lyon et d'Orsay). En nombre de visiteurs, l'Exposition de Paris en 1900 a reçu 51 millions de visiteurs de 58 pays, bien plus que celle de Seville en 1992 qui a été fréquentée par 42 millions de visiteurs.

A l'Exposition universelle de 1855, l'édifice de la section des Beaux-Arts (peinture, gravure, lithographie, sculpture et médailles, architecture) accueille 2 176 artistes dont 1072 Français. Leurs œuvres sont vues par un million de visiteurs. Les peintres Eugène Delacroix, Dominique Ingres et Ernest Meissonier figurent parmi les lauréats français. Courbet, devant le refus de ses œuvres (Un enterrement à Ornans, 1850 et L’Atelier 1855) expose 40 tableaux en marge de l’exposition officielle dans une baraque faite de bois et de brique dénommée le « Pavillon du Réalisme » (il réitérera cette expérience lors de l’Exposition Universelle de 1867). Et c'est aussi la création du fameux classement de 1855 des grands vins.

En 1863, le salon de peinture et de sculpture, tenu par les membres de l’Académie, refusa plus de 3 000 œuvres sur les 5 000 envoyées. Face à cette hécatombe, Napoléon III décide qu’une exposition pour les refusés se tiendra au Palais de l’Industrie. C’est le salon des refusés, une première brèche dans la mainmise des académies sur le monde des arts. Manet y présente son déjeuner sur l’herbe qui créera un scandale sans précédent dans les milieux de la peinture. En 1884, le Salon des Artistes Indépendants est créé. Il permet à tous les artistes de présenter leurs oeuvres, sans qu’elles soient soumises à l’appréciation d’un jury. La devise de ce Salon, « Sans jury ni récompenses » symbolise bien l’état d’esprit de cette nouvelle génération.

La peinture est-elle devenue un sujet élitiste de spécialiste ? les mécènes

Parmi les principaux courants, certains ont été liés à d'autres domaines de la culture : Renaissance, Baroque, Classicisme, et Romantisme ont marqué l'histoire de l'art de manière transverse (sculpture, photographie, littérature, musique, architecture)

Ce qui fait la valeur d'une oeuvre : la rareté, l'innovation et la confiance en l'authenticité. 

Le vatican, les Médicis, les Rois, quelques nobles sont les seuls à pouvoir financer les artistes. Si c'est bien celui qui payHistoirePeuple] n'a donc jamais pu être représenté selon ses propres volontés.

La famille des Médicis a vécu à Florence entre le XIème ème siècle et le XVIème siècle. C'était une famille puissante parce qu’elle était riche - elle était composée de riches [Commerçants] et [Banquiers] - et parce qu’elle dirigeait la ville de Florence. De cette famille sont issus 3 papes, 2 reines françaises (Marie de Médicis, l’épouse d’Henri IV, et Catherine de Médicis, l’épouse d’Henri II) et 7 grands-ducs de Toscane.

Cosme de Médicis et ses successeurs gagnent leur entrée dans l'aristocratie européenne en s'appuyant sur les humanistes et les artistes et en les stipendiant. Ils savent reconnaître le génie de leurs contemporains, qu'il s'agisse de l'humaniste Marsile Ficin, des peintres Filippo Lippi et Sandro Botticelli ou encore de l'astronome Galilée, et les protègent le cas échéant des attaques de leurs adversaires.

C'est ainsi que pendant plus de trois siècles, si brutaux qu'ils soient, ils mettent leur richesse au service des arts et des sciences. Ainsi ces simples banquiers vont-ils réussir à s'inventer un lignage qui, après Laurent le Magnifique, justifiera leur accession au titre ducal et à la fondation d'une dynastie.

Au regard des armoiries, il faut considérer aussi une fonction politique des peintures. Les frises héraldiques montrent le pouvoir et les alliances à tel moment. C’est une manière pour les commanditaires de se faire voir, d’indiquer leur rôle de mécène.

Femmes peintres dans les ateliers collectifs

Au XVème siècle, les femmes artistes peuvent seulement peindre dans les ateliers collectifs, pratique très ancrée à la Renaissance, quand leur père ou leur frère y travaillent. " On sait par exemple que Guido Mazzoni, sculpteur italien qui a réalisé le tombeau de Charles VIII, employait dans son atelier sa femme et sa fille, même si on ne sait pas exactement quelles ont été leurs interventions. "

Au XVIème siècle, l’affirmation des figures est très importante et l’on voit l’émergence de Lavinia Fontana (1522-1614), Sofonisba Anguissola (1532-1625) et Artemisia Gentileschi (1593-1653), trois grandes artistes reconnues. Avant elle, Plautilla Nelli (1524-1588) fut la première femme connue à peindre La Cène, à Florence. Entrée au couvent de Santa Caterina da Siena à l’âge de 14 ans, cette sœur y a créé son propre atelier collectif, supervisant les autres religieuses. Ces femmes réalisaient et vendaient leurs œuvres pieuses (tableaux, dessins, gravures) de façon libre, une exception à la Renaissance.

" Il faut faire la distinction entre le XVème et le XVIème siècle, explique Joana Barreto, maîtresse de conférence en histoire de l’art moderne à l’université Lyon 2. Entre ces deux siècles, le statut d’artiste, alors en pleine définition, va vraiment changer, se détachant de celui de l’artisan. Mais le statut du rôle des femmes qu’elles soient mécènes, qu’elles soient figurées ou artistes va, lui aussi, évoluer entre ces deux siècles. "

Selon elle, il faut également prendre en compte dans les analyses historiques sur la place des femmes, la difficulté d’accès aux sources d’archives et de documents (traités de convenance, contrats, inventaires après décès, lettres, prêches...) qui représentent principalement la voix d’hommes.

L’impératrice de Russie Catherine II (1729-1796)  est une femme de légende. Connue comme mécène, protectrice des artistes et philosophes de son temps, elle est aussi modèle de peintres et sculpteurs afin de façonner son propre mythe.

L’art et le pouvoir politique ont toujours noué des liens étroits. L’art peut être au service du pouvoir ou s’y opposer. Habile manipulatrice, Catherine décide de s’y employer dès le début de son règne pour que l’élite intellectuelle du monde entier oeuvre à l’élaboration de son image positive. Et Dieu sait qu’elle en a eu besoin ! Régicide, usurpatrice, étrangère, femme adultérine, les accusations pleuvent sur la nouvelle impératrice. Catherine II doit prouver sa légitimité aussi bien envers le peuple russe qu’à l’Europe. Pour asseoir  son pouvoir, Catherine entreprend une véritable campagne de séduction. Elle séduit les officiers de la garde, soudoie la noblesse, promet des réformes au peuple, flatte l’église orthodoxe. Son art de la séduction prend une nouvelle tournure, extrêmement moderne et visionnaire, avec le lancement d’une grande campagne de communication à l’échelle européenne.

L'image de l’impératrice triomphante, d’une femme forte et dotée de capacités intellectuelles hors norme est souvent représentée dans la littérature et les arts.

Cependant, dans l’imaginaire collectif un autre mythe persiste depuis des siècles : Catherine : nouvelle Messaline. La ronde des amants- de plus en plus jeunes et beaux-  qu’elle affiche fièrement et récompense généreusement contribue à sa réputation sulfureuse, déjà de son vivant. Son prétendu appétit sexuel hors du commun donne naissance à une série de pamphlets satiriques et d’ouvrages érotiques, aussi bien en Europe qu’en Russie.

Les musées

Etymologiquement, le mot « musée » nous vient du grec museion, du nom d’un temple dédié aux muses bâti sur la colline de l’Helicon à Athènes. Au XIVème siècle apparaissent en Europe les premières collections princières. Les Valois, les ducs de Bourgogne et les princes transalpins rivalisent alors de faste et accumulent œuvres et objets comme autant de signes de leur souveraine magnificence. C'est véritablement au XVIIe siècle, avec la floraison des cabinets de curiosités, que s’invente la muséographie. En Angleterre, Elias Ashmole fait don en 1677 d’un ensemble de collections à la vénérable université d’Oxford, à condition que celle-ci érige un bâtiment pour les accueillir. Pas moins de 12 wagons seront nécessaires pour affréter l’ensemble à destination. Ouvert à tous dès son inauguration, le Ashmolean Museum devient le premier musée public de l’histoire. En France, il faut attendre la Révolution pour voir émerger l’idée d’un musée public, fondé sur l’humanisme hérité des Lumières. Dès 1793, Le Louvre, ancienne résidence de sa majesté, est ouvert au public et devient le Muséum central des arts de la République. 

Tout au long du XIXème siècle, le champ du musée n’a de cesse de s’élargir. Illustrant encore la construction d’un espace public des arts et du savoir, il est également utilisé à des fins politiques et se met au service, selon la période, des propagandes républicaines ou monarchiques. 

Tandis que Louis-Philippe fait de Versailles un Musée de l’Histoire de France, Napoléon III fonde au château de Saint-Germain-en-Laye le Musée des Antiquités nationales. Au même moment, une fièvre muséale s’empare du vieux continent : à Saint-Pétersbourg s’ouvre en 1852 le musée de l’Hermitage, suivi de près en 1857 par le Victoria and Albert Museum de Londres, puis par l’Union centrale des Arts décoratifs, inaugurée en 1863 à Paris.Le Victoria and Albert Museum en construction en 1906 à Londres

Et partout s’accumulent les trésors, bien souvent arrachés sans pitié à leur site d'origine, ou confisqués dans les pays conquis par la République et l'Empire. Conçus au début comme un réservoir de modèles à destination des artistes, les musées français deviennent aussi, avec l’école de la République, le symbole des efforts d’instruction et de vulgarisation entrepris à destination des classes laborieuses nées de l’âge industrielle. « Moraliser par l'instruction, charmer par les arts, enrichir par les sciences » résume alors Edmond Groult, un avocat français fervent partisan da la culture pour tous.

A la fin du XIXème siècle, les musées et leur architecture de palais ont pris des airs de temples, dont l’organisation des collections ne change pour ainsi dire jamais. Entassement des œuvres dans les vitrines et sur les cimaises, décorum suranné des salles d’expositions : les musées sont sous le feu de la critique. L’essor des avant-gardes européennes au tournant du XXème siècle achève de les ringardiser. Les voilà réduits à des lieux passéistes et rétrogrades, des institutions immobiles toutes juste bonnes à exalter froidement le passé.

Les années 1920 voient apparaître les premiers musées d’art moderne, qui délaissent l’académisme et la dimension patrimoniale des musées classiques 

En réaction, les années 1920 voient apparaître les premiers musées d’art moderne, qui délaissent l’académisme et la dimension patrimoniale des musées classiques, au profit d’une célébration contemporaine des arts plastiques et des artistes vivants. Alors que Cézanne, Van Gogh et Gauguin s’exposent au MoMa depuis 1929, Paris donne naissance dans les années 1940 aux actuels Palais de Tokyo et Musée d'art moderne de la ville de Paris.

L'une des plus belles collections privées a été réunie par Calouste Gulbenkian [12], un étonnant homme d'affaires impliqué dans le Pétrole #Energie et la #Diplomatie.  Il donna sa collection au Portugal, dans le cadre juridique de la fondation qui porte son nom, qui est la plus riche dans son genre du monde en dehors des États-Unis. Les statuts furent approuvés en 1956 et le musée, édifié par Albert Pessoa à partir de 1960, fut inauguré en 1969.

Les galeries les maisons de vente 

L'univers des maisons de vente est très diversifié, comprenant à la fois de grandes sociétés internationales comme Sotheby's, Artcurial ou Christie's, qui organisent plusieurs centaines de ventes aux enchères par an, et de petites maisons de vente en région ou spécialisées dans un domaine précis. Certaines d'entre elles mettent le patrimoine local en valeur comme celle de Brest, qui vend aussi bien des bateaux que de l'art nautique. Leurs commissaires-priseurs exercent aussi parfois d'autres activités, expertisant les objets déposés en gage comme Jean-Jacques Bisman à Rouen, ou ayant une charge de commissaire-priseur judiciaire comme Yann Baratoux à Bordeaux. Le monde des enchères est par ailleurs en constante évolution, notamment grâce à la vente en ligne, qui se développe très rapidement.

Fondée en 1744 et spécialisée à l'origine dans la vente de livres et de manuscrits, Sotheby’s dispose aujourd'hui de 90 bureaux répartis dans 40 pays, organise plus de 350 ventes par an dans ses 10 lieux de vente et bat régulièrement des records mondiaux d'adjudication.

Les galeries, les foires et les salons ont pour but d'exposer et de vendre des oeuvres d'art. Ils mettent en relation des artistes et des acheteurs : amateurs d'art, collectionneurs particuliers, institutions. La galerie peut être aussi un lieu tremplin pour des artistes peu connus. D'après une étude de 2012 du ministère de la Culture, il y avait en France 2191 galeries d'art contemporain dont 53 % en Île-de-France. Les sites internet présentés concernent principalement des galeries d'art contemporain d'Île-de-France, mais des sites de galeries en région sont aussi représentés. L'ouverture internationale du marché de l'art conduit les galeristes à s'implanter également à l'étranger. Aujourd'hui, une part importante de la clientèle se détourne des achats en galeries pour ne fréquenter que les foires et les salons qui sont des événements périodiques.
Les galeries et les foires proposent sur leurs sites internet la présentation des artistes, l'actualité des expositions qu'elles organisent ou ont organisées (archives), la liste des exposants (pour les foires), des revues de presse, des visites virtuelles. La promotion des artistes et la visibilité des galeries et des foires vont de pair. Celles-ci sont de plus en plus actives sur les réseaux sociaux. L'internet permet la promotion sans passer par les médias traditionnels: journalistes ou critiques (exemple :  Vente de la collection David et Peggy Rockfeller d'un montant de 600 M€)

Les grands acheteurs veillent à maintenir eux-mêmes le niveau du marché. Selon certaines analyses évoquées dans le presse, les artistes sont tributaires d’un marché où tout le monde se tient par la barbichette, la plupart des grands collectionneurs (quelques centaines à travers le monde) veillant à maintenir eux-mêmes par le biais des enchères les cotes du marché des artistes dont ils possèdent des œuvres. Les spéculateurs sont rarement les bienvenus car l’art est un marché à long terme. 

Les limites de l'Art Contemporain

Au début du XXIème siècle la peinture est devenue un domaine de spécialiste, élitiste, limité à un contexte éducatif peu ambitieux et une forme de placement de trésorerie ou de décoration d'appartement pour les classes les plus aisées. Certains possèdent même des appartements juste pour y entreposer des toiles et se faire leurs propres galeries. Comment expliquer la convergence entre les artistes "bohème" situés à gauche avec les bourgeois entrepreneurs acheteurs situés à droite ?  Dans son essai, l'Innovation destructrice, Luc Ferry s'emporte contre les bourgeois-bohème et ce système assez malsain où finalement chacun se retrouve en contradiction avec lui-même : les bourgeois capitalistes, schzizophrènes portent une lourde responsabilité dans le manque de culture des jeunes d'aujourd'hui puisqu'ils les incitent aussi à surconsommer des choses souvent inutiles. L'exemple le plus symbolique cité : celui de Pompidou qui honore Picasso. Il dénonce aussi le foutage de gueule du milieu artistique qui finit par mettre en valeur des absurdités comme celle d'une Ferrari Dino défoncée au marteau par un artiste.

Ferry tente de faire la distinction entre l'Art d'aujoud'hui devenu parfois une imposture et le véritable art contemporain. Il s'appuie sur le fameux triangle de Kandisky, père fondateur de l'art abstrait et théoricien de l'art moderne. Il faut imaginer un triangle avec en haut les visionnaires, parfois un artiste seul et en bas la Population. Ce triangle monte à coté d'une ligne imaginaire verticale censée représenter le sens. Ce qui n'apparait pas au début à la Population finit par le dévenir au fil du temps quand suivant la progression verticale du triange.

L'art contemporain pèse toutefois de plus en plus. En 2020, il représentait 15% des ventes aux enchères de beaux-arts contre 3% en 2000, il était marginal dans les années 1990. Selon Artprice, le "fine art" (beaux-arts) - appellation qui englobe peintures, sculptures, installations, dessins, photos, vidéo - (hors mobilier, objets décoratifs, voitures de collection et accessoires de mode vintage). Le nombre de lots mis en vente est passé de 19 000 à 122 000 et le prix moyen d'une oeuvre a triplé à 25 000 dollars en 20 ans. Ces oeuvres représenteraient une valeur de 22,7 milliards de dollars sur ce segment dont 4,4 milliards sur seulement 4 artistes: Jean-Michel Basquiat, Jeff Koons, Christopher Wool, et Damien Hirst. Le nombre d'artistes vendus explose à 32 000 alors qu'ils étaient 5 000 au début des années 2000. Les foires d'art contemporain se sont elles aussi développées, 600 événements seraient indentifiés comme la FIAC.

Derrière la société Artprice se trouve un curieux personnage lyonnais assez indéfinissable [12] du nom de Thierry Ehrman. Né en 1962, il détient le groupe serveur et paraît-il une base de donnée unique au monde. Il est aussi artiste plasticien et le propriétaire de la très décriée citée du chaos dans la banlieue lyonnaise.

La Chine compte dans le monde de l'Art Contemporain

Quand en 1949 la République Populaire de Chine est proclamée, l’art est alors intimement lié au pouvoir politique, les artistes n’ayant que le réalisme socialiste pour s’exprimer. Certains se sont exilés à l'étranger, en France comme le peintre franco-chinois Zao Wou-Ki, l'un des maîtres de l'abstraction lyrique. Né à Pékin, Zao s'était installé en 1948 à Paris et était devenu l'un des maîtres de l'abstraction lyrique, aux côtés de Pierre Soulages ou Hans Hartung. Il avait obtenu la nationalité française en 1964. Ses toiles atteignent régulièrement de un à 2,5 millions de dollars aux enchères. L'une d'elles, "Hommage à Tou-Fou" (1956), avait été adjugée à 5,8 millions de dollars en 2008 chez Christie's à Hong Kong. Plus récemment, Li Chevalier, née à Pékin en 1961 est une artiste, peintre et plasticienne chinoise d'origine,  devenue citoyenne française en 1986. 

La fin de la Révolution culturelle et la mort de Mao en 1976 ont permis le développement de nombreux groupes d’avant-garde.

Cela commença dès la fin des années 1970 avec le groupe les Étoiles dans lequel l’on retrouve de grands noms de l’art contemporain chinois (Huang Rui, Ai WeiWei, etc). 

En 1989, l’exposition China/Avant-garde constitue le sommet de cette période de liberté qui s’estompera quelques mois plus tard à la suite des événements de Tian’anmen. La même année on retrouve Huang Yong Ping, Gu Dexin et Yang Jiechang à l’exposition Magiciens de la terre au Centre Pompidou. Cet événement marque un tournant dans la vision de l’art non-occidental en France et c’est la première fois que des artistes chinois sont exposés en Occident. Ce sera le début d’une présence ininterrompue sur la scène artistique mondiale, renforcée notamment par l’exil de nombreux artistes chinois, ce qui crée une véritable diaspora chinoise. 

Dans les années 1990, l’art en Chine se cache et devient plus underground mais garde une grande force. . Aujourd’hui l’art chinois s’est mondialisé, il est devenu une force dynamique et influente dans un monde de l’art globalisé. Pendant cinq ans la Chine a ravi aux États-Unis la place de numéro 1 sur le marché de l’art. De nombreux musées s’ouvrent en Chine et les ventes d’artistes chinois atteignent des sommets. 

Le Street Art

Le Street-Art est né aux États-Unis dans les années 60. Le premier mouvement s’apparentant à l’art de
rue est le « Graffiti writing » lancé par deux artistes de Philadelphie. C'est une histoire d'amour #Us&Coutumes qui déclenche le mouvement. Souffrant d’une timidité monstre, Cornbread écrit inlassablement sur les murs de son école et de son quartier l’inscription « Cornbread Loves Cynthia ». Fou amoureux d’elle, il n’ose pas le lui dire en face. Il regroupe toutes les formes d’art réalisées dans l'espace public donc la ville #Immobilier, et englobe diverses techniques telles que le graffiti sur mur, le pochoir, la mosaïque, le sticker, l'affichage et le collage, la réclame.

En France, l'artiste Christian Guemy, alias C215, qui dispose de 2 ateliers, lun à Vitry l'autre sur les bords de Loire à Gien, occupe le devant de la scène parmi les 2000  artistes urbains recensés dans la base de 180 000 artistes français et étrangers de l'ADAGP  (société des auteurs dans les arts graphiques et plastiques). Ses sujets de prédilection sont l'enfance, les laissés-pour-compte, les anonymes, les amoureux, mais aussi les animaux (chiens, chats et oiseaux). Son modèle principal est sa fille Nina, née en 2003. Son style va de la bichromie aux compositions les plus colorées. Les dimensions de ses œuvres demeurent à l'échelle humaine, ne réalisant que rarement de murs peints de très grandes dimensions. Fervent admirateur du Caravage, C215 veut mettre de la poésie et de l'émotion au cœur des villes désincarnées.  

C'est principalement un art éphémère vu par un large public mais il n’est plus aussi éphémère qu’il l’était, et les artistes l’ont bien compris. Ils créent aujourd’hui des œuvres portables, sur toiles, sur planches, sur des pans de murs isolés et transportables et peuvent ainsi commercialiser plus facilement leur art sur un marché qui n’attend que ça.

SYNTHESE

 Plus les valeurs traditionnelles disparaissent, plus nous sommes dans l'addiction qui ressemble beaucoup à la surconsommation. La peinture forme une sorte de couverture, d'enveloppe, ou de packaging marketing dirait-on dans la Société de consommation, qui englobe et résume des courants artistiques diverses. Plusieurs tendances se dégagent dans l'histoire de la peinture :

 une première, celle d'avoir été encouragée à des fins éducatives Religions, en particulier le Christianisme

 une seconde, cette fois technique qui est motivée par la volonté de transmettre la réalité de la manière la plus exacte possible, la photo n'existant pas avant 1839, et d'utiliser toutes les matériaux disponibles ainsi que des couleurs. L'invention de la photographie aura rendu le réalisme inutile pour certains. Une innovation de la [Science] qui aura bouleversé le monde intellectuel de l'époque, une histoire oubliée aujourd'hui, le Digital ayant tout emportés par ces règles établies depuis des siècles,  les artistes se libèrent et d'autres courants plus originaux apparaissent.

 une troisième, qui va au de-là de la technique, pour porter des messages, une approche plus intellectuelle en lien avec d'autres arts, qui parfois englobe la deuxième.

 une quatrième, qui pousse la créativité jusqu'au bout, de la créativité pour la créativité, soutenue par la [Financiarisation] de la [Société] et l'essor de l'art contemporain.

L'utilité éducative de l'étude de la peinture semble mal exploitée, elle est délaissée et réservée à de petits cercles amateurs de visites dans des Musées ou de touristes incrédules.

En comparaison la Littérature, qui permet l'expression d'idées ou des [Sports] (importance pour la santé et taille économique du secteur), la peinture fait figure d'un nain au sein de la [Culture].

Notes

[1] Aux origines de l'art, Emmanuel Anati, Fayard , 2003

[2] Theophilus Presbyter - Théophile le moine - (vers 1070 - 1125), est un moine allemand qui vécut probablement à la fin du xie ou au début du xiie siècle dans l'espace rhénan. Il fut l'auteur du traité De diversis artibus ou Schedula diversarum artium1, un recueil qui représente une sorte d'encyclopédie du savoir technique au Moyen Âge dans le domaine de l'art et de l'artisanat. L'ouvrage présente pour la première fois une sorte de vulgarisation des techniques de fabrication des couleurs, des notions sur la peinture, l'art du vitrail, de la mosaïque, du niellage, de l'orfèvrerie, celui des colles, etc.

À qui doit-on l’invention de la peinture à l’huile ? Pendant longtemps, elle a été attribuée aux frères Van Eyck. Il semble toutefois qu’avant eux, dès la fin du XIVe siècle, de nombreux artistes aient tenté de mélanger les pigments de couleurs à l’huile, mais de manière confidentielle.

 Une chose est sûre : s’ils ne sont pas les inventeurs de la peinture à l’huile, ils l’ont perfectionnée. Leur idée : ajouter de l’huile de lin et de noix ainsi que de l’essence de térébenthine aux couleurs, jusqu’à obtenir une peinture résistant à l’eau et offrant de multiples possibilités techniques. C’est pourquoi, dans l’histoire de l’art, Jan Van Eyck (1390-1441), le cadet des deux frères, est présenté comme le premier grand maître à peindre avec des couleurs à l’huile.

Peindre (la représentation d'une image sur une surface) pendant la période gothique se pratique sur quatre principaux supports : Les livres d'heures (livres de prières qui contiennent des miniatures et des enluminures), les retables (tableaux peints ou sculptés qui ornent le dessus des autels des églises), les retables à plusieurs panneaux (diptyques, triptyques ou polyptyques), les fresques (ornent de grandes structures, notamment les voûtes des églises). 

[3] Film Gauguin, voyage de Tahiti avec Vincent Cassel, 2017

[4] La peinture moderne en Inde a commencé à Calcutta à la fin du XIXème siècle. Les anciennes traditions de la peinture avaient plus ou moins disparu au Bengale et les écoles d'art ont été créées par les Britanniques.

[5] Au début, les protagonistes de l'art indien comme Raja Ravi Varma s'inspiraient des traditions et des techniques occidentales, y compris de celles de la peinture à l'huile et de la peinture de chevalet.

[6] Mais les artistes de la « renaissance du Bengale », en particulier Abanindranath Tagore et Nandalal Bose, critiquent sévèrement le style « occidentalisant » de Ravi Varma, qu'ils jugent vulgaire et sentimental, dépourvu de valeur et de signification. Plus tard, en 1962, le Group 1890, avec Jagdish Swaminathan, rejoint la critique, mais critique également l’idéalisme pastoral de l'école du Bengale de Tagore et Bose.
Une réaction à l'influence occidentale a conduit à un renouveau du primitivisme, appelé « l'école du Bengale », qui a puisé dans le riche héritage culturel de l'Inde. Il a été remplacé par l'école de Santiniketan, dirigée par Rabindranath Tagore qui revient sur la vie rurale idyllique. Malgré son influence à travers le pays dans les premières années, l'importance de l'école a diminué dans les années 1940 jusqu’à disparaître de nos jours

[7] Le Concile de Trente (1545-1563), au cours duquel l’Église catholique romaine doit répondre à des questions de réforme interne soulevées tant par les protestants que par ses propres membres, encourage la création artistique comme support de dévotion mais également comme outil d'enseignement.

[8] Chérubins et Séraphins font partie de la hiérarchie celeste. Il ne s'agit pas d'un dogment mais d'un opinion théologique proposéee par Denys-le pseudo Aréopagite. Outre les Anges proprement dits (nommés ou pas), on trouve chez Isaïe des Séraphins, chez Ézéchiel des Chérubins, chez Paul des Trônes, des Dominations, des Principautés, des Puissances, des Vertus et des Archanges. Au total, de l'Ancien au Nouveau Testament, neuf catégories différentes.

[9] Quattrocento. À cette période du XVème siècle, a lieu un véritable bouillonnement culturel en matière d'art, dans les Cités-Etats de Venise, Milan, Rome et Mantoue

[10] Le Cubisme cède ensuite la place à de nouveaux courants d'avant-garde : le mouvement dada, l'abstraction géométrique, le surréalisme, De Stijl ou encore l'Art déco.

[11] à laquelle Giovanni Battista della Porta suggère dès 1588 d'ajouter une lentille convexe pour donner plus de luminosité à l'image ainsi projetée.

[12] Calouste Sarkis Gulbenkian (est un financier arménien multi-millionnaire, né à Scutari le 23 mars 1869 et mort à Lisbonne le 20 juillet 1955. Il est connu pour avoir légué sa collection d'art à une fondation portugaise, la fondation Calouste-Gulbenkian située à Lisbonne. Il fut surnommé « Monsieur 5 % », rappelant la part de capital qu'il détenait dans la Turkish Petroleum Company [Energie] confirmé par l'accord de la ligne rouge. Son histoire, à cheval sur les xixe et xxe siècles est celle d'un diplomate, financier, aventurier, finalement milliardaire hypocondriaque et mécène. Très peu connu du grand public, son personnage évoque irrésistiblement celui d'autres célèbres « tycoons », des magnats tels qu'Howard Hughes, ou John Davison Rockefeller, à la différence près qu'il ne reste aujourd'hui dans la mémoire collective que peu de traces de celui qui traversa tant de péripéties historiques, intervint dans la formation du groupe Shella, contribua au partage des richesses pétrolières du Moyen-Orient entre les grandes puissances occidentales, amassa une des fortunes les plus colossales de son temps. De 1948 à 1954, il entretint une correspondance avec le poète et ancien diplomate français Saint-John Perse (Alexis Leger), [Littérature] riche de renseignements sur l'une et l'autre personnalité ainsi que sur l'état du monde.

[13] Thierry Ehrmann a fait venir le milliardaire Bernard Arnaud au capital de Artprice en 1997. Voir article de Management 2004 et de l'Express 2006.

Tableau le plus cher : Salvatore Mundi de Léonard de Vinci : 450 M USD

Bibliographie

 Faire Croire - Daniel Arasse - 1981

 Statistique Maison des Artistes 2009

 Nouvel Obs - Interview Pierre Soulages - 2013

 Thèse de Luke David Nicholson - Anthony Blunt and Nicolas Poussin - 2011 (393p)

 Traité de peinture - Léonard de Vinci - Edition 1716